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Si hay alguna obra capaz de reflejar el concepto de laberíntico y de opresivo, esta son los grabados de las Carceri d’invenzione que Giambattista Piranesi dibujó en 1745. Sueños de piedra, según las palabras de Baudelarie que se han colado en el imaginario de artistas románticos y surrealistas, de mano de uno de los defensores más acérrimos del arte clásico. Las cárceles imaginarias son extensos territorios de vacío, donde el hombre empequeñecido en la grandiosidad del espacio ilimitado se encuentra condenado a permanecer, sin avanzar ni retroceder, sin saber jamás si existe el exterior; laberintos sin principio ni fin, y por tanto sin esperanza. La claustrofobia se transmite no por la escasa dimensión del espacio, sino por la sensación de lo inabarcable, donde la mente humana solo puede conducirse a una huida errática por la inmensidad de lo construido, escaleras sin fin, inmensas pilastras de piedra, cuerdas, poleas, palancas, máquinas y cadenas, símbolo de lo opresivo que transforma la angustia en una pesadilla alegórica del arte sepultado por la historia. El hombre condenado se reproduce en los grabados, anónimo, una y otra vez en distintos planos, atado, sin posibilidad de escapar de esa existencia vana, sin autenticidad, morador de la ruina de su propia identidad, un reflejo fracasado de su propio ser que reverbera en las paredes de la prisión reproduciendo un eco sin fin…
 
 
Con el corazón lleno de furiosas fantasías,
de las que soy el amo,
con una lanza ardiente y un caballo de aire,
errando voy por el desierto.
Con motivo de la reinauguración de Caerdroia, gracias a su nueva imagen, estuve meditando sobre el post que debía abrir esta nueva etapa en la que intentaré dar un enfoque más personal a los textos. Tengo unos cuantos temas por tratar en el bolsillo, pero parece que nunca tienen un momento para salir. Por ello he decidido que la excusa era lo suficientemente buena como para rebuscar y sacar de la chistera temas olvidados. Finalmente he escogido éste, por varios motivos, principalmente por el gran recuerdo que tengo de la obra de Cristina Iglesias, dado que la primera vez que vi una exposición de su trabajo fue en el marco incomparable del Museo Serralves de Alvaro Siza, en el primer viaje que hice siendo ya estudiante de arquitectura. Adelante pues:
Cristina Iglesias ha forjado su nombre como una de las creadoras españolas más internacionales, debido a la transformación conceptual que su escultura ha supuesto en el vocabulario estético. La base de su trabajo es la relación de las piezas con el espacio, la textura geológica y el material que emplea para desarrollarlo, tales como hormigón, alabastro, resina, hierro, e incluso elementos vegetales, combinados mediante diferentes técnicas para crear una personal combinación que juega con la luz y la geometría.
Entre sus obras me gustaría destacar dos particularmente: Emergent Filters, y las puertas de la ampliación del Museo del Prado. La primera fue la obra que tuve la suerte de ver en Oporto, un conjunto de estructuras que beben de la idea de arte islámico, exactamente de la idea de celosía desde la que la visión se matiza en la siempre sugerente idea del ver sin ser visto. Esta idea es desarrollada mediante una agradable combinación geométrica que configuran espacios mediante barreras permeables, filtrando la percepción del espacio y por tanto reinventándolo según el movimiento, la luz y la interacción del propio espectador. De esta forma se crea un laberinto tamizado y angosto, recreando la sensación de lo oculto y lo prohibido, un ejemplo moderno de un jardín secreto que invita a iniciar el viaje interior por el ensueño.
La otra obra mencionada, quizás la más popular hasta la fecha, forma parte de la Ampliación del Museo del Prado. Con la creación de estas puertas sus piezas han pasado, por primera vez, de ocupar un lugar arquitectónico a configurar uno. Lamentablemente, en mi opinión, el recinto interior del que forma parte la obra de Cristina Iglesias no es el que dicha obra merece, con ausencia total de especialidad las maravillosas puertas vegetales, además de servir como salida de emergencia, dan paso a las salas de restauración, y a los desembarcos de las escaleras, a un espacio rutinario y poco acertado del proyecto de Moneo. Por suerte, desde el exterior se puede apreciar la magnitud de la obra. Dos puertas de 8,40×6 metros y 22 toneladas realizadas en bronce trabajado con cera, muestran un mundo vegetal de textura animada, a modo de jardín vertical congelado, pero a la vez vivo. Miles de enredaderas parecen trepar por la fachada del museo, convirtiéndose en una escultura exterior, que gracias a su mecanización puede adoptar cinco composiciones diferentes, formando un paisaje cambiante al observador. De nuevo el concepto de transito, de umbral o corredor reaparecen en su obra, unidos a una recreación paisajística que contrasta con el ladrillo de la fachada y con el jardín reglado que separa la ampliación del Palacio Villanueva. Tocar la obra es sin duda una grata experiencia, pues es una pieza sumamente táctil capaz de generar sensaciones no solo visuales.
 
Enterrado vivo
en un infinito
dédalo de espejos,
me oigo, me sigo,
me busco en el liso
muro del silencio.
Pero no me encuentro.
Palpo, escucho, miro.
Por todos los ecos
de este laberinto,
un acento mío
está pretendiendo
llegar a mi oído.
Pero no lo advierto.
Alguien está preso
aquí, en este frío
lúcido recinto,
dédalo de espejos…
Alguien, al que imito.
Si se va, me alejo.
Si regresa, vuelvo.
Si se duerme, sueño.
«¿Eres tú?», me digo…
Pero no contesto.
Perseguido, herido
por el mismo acento
-que no sé si es mío-
contra el eco mismo
del mismo recuerdo
en este infinito
dédalo de espejos
enterrado vivo.
Jonathan Cory-Wright, arquitecto ingles, ha desarrollado una técnica constructiva fundamentada en la caña como material estructural, durante los tres años en que residió en España. Tan solo con recursos humanos y sin desperdiciar energía combustible en su transformación, Cory-Wright ha establecido una manera de procesar la masa vegetal uniéndola mediante cuerdas de esparto y pita para obtener un material fuerte y sostenible. Gracias a él es capaz de realizar estructuras armónicas debido a la gran flexibilidad que alcanzan las cañas unidas, formando arcos y generando cúpulas de gran belleza.
Tras sus primeros trabajos en Los Molinos (Almería) donde construyó un puente y una estructura escalable, fue invitado por el arquitecto Ricardo Higueras a construir un porche de madera, bambú, balas de paja y arcilla para el Pabellón de Iniciativas Ciudadanas de la Expo de Zaragoza 2008; en esta ocasión Cory-Wright utilizó programas informáticos para diseñar y calcular el material que necesitaría para realizar la estructura. Fueron necesarias 6.000 cañas extraídas de Almería, transportadas en un trailer de 12 m y seleccionadas rigurosamente por su calidad, edad, grosor, altura y forma para la ejecución del Pabellón. De nuevo ese mismo año repetiría la proeza con el escenario de 14 m de diámetro y 7 m de alto para el Boom Festival del 2008 organizado en Portugal, su geometría compleja y su espectacularidad encandiló a todo el público del evento musical.
Actualmente Cory-Wright difunde su técnica en España y Portugal mediante diseños realizados en CAD y explicaciones para conocer el modo de controlar este recurso natural, como cultivarlo y aprovecharlo como estructura vegetal, para la ejecución de formas orgánicas de manera sostenible.
Web y blog: http://canyaviva.com/
La idea de establecer los cánones que determinen la ciudad ideal han sido estudiados desde la antigüedad por artistas y filósofos teniendo en cuenta el bienestar físico y social de sus moradores. El concepto de la ciudad perfecta danza entre las aportaciones de grandes arquitectos del siglo XX como Le Corbusier y Frank Lloyd Wright hasta la “ciudad celeste” de inspiración divina, junto las elucubraciones filosóficas de Platón y Aristóteles, concretadas en descripciones concisas por hombres como Vitrubio.
En ninguno de los casos, la creación de una ciudad era algo baladí; si no era por intervención divina era por la eficiencia de los recursos o por las redes de comunicaciones, lo que ha determinado y concretado las características de la ciudad ideal.
En esta serie de temas, abordaré de manera somera conceptos de ciudades, algunas utópicas, otras palpables y algunas incluso absurdas…
Frantisek Kupka dedicó su vida a la búsqueda espiritual a través de la pintura abstracta, mediante la plasmación de la música como pintura o a través de los juegos ópticos, un modo de abstracción entre lo orgánico y lo geómetra. Su papel solitario en la historia del arte ha hecho de él un eremita, algo que sin duda el carácter de Kupka apoyaba con su manera de ser. La primera vez que vi un cuadro de Kupka fue en el Museo Thyssen, allí entre la multitud de cuadros del siglo XX me obligaban a escoger uno, y el elegido fue “Localización de móviles gráficos I” y en parte creo que me llamó la atención por esa mezcla de soledad buscada y de espiritualidad rebosantes de energía. Ahora se puede ver una muestra del pintor en la Fundación Miró de Barcelona, compuesta por 80 obras procedentes del Georges Pompidou de París, a través de las cuales se puede contemplar ese arte en estado puro que Kupka ansiaba buscar, alejándose de toda relación con la naturaleza o la realidad concreta, mediante la abstracción del color y la luz mezcladas con un lirismo poco común.
“Localización de móviles gráficos I”
Diluvio es un grupo constituido por los artistas chilenos Niles Atallah, Joaquín Cociña & Cristóbal León quienes han colaborado en la realización de una serie de cortos stop-motion para la exposición conjunta que han realizado en le Sala Cero de Vitacura (Chile). La muestra desarrolla el proceso de creación de los cortos “Lucía” y “Luis”, proyectados en las paredes de la Galería Animal entre pilas de objetos amontonados sobre montículos de tierra. Si los videos son impactantes, la representación de los mismos en la sala contribuye a crear la atmósfera precisa para apreciar el desasosiego y la inquietud que trasmite la obra.
“Lucía, Luis y el Lobo” narra una historia desde dos puntos de vista, una historia no relatada por completo, que da margen al espectador para unir ambas según sus deseos, sacando conclusiones dispares. Un cuento infantil oscuro, con el gran valor de ser un trabajo acústico y escenográfico muy cuidado y preciso, junto con una exposición del mismo contundente, ambientando al observador en el círculo destructivo en el cual se desarrollan los cortos, re-escenificando el lugar de los sucesos, imbuyendo al visitante en la piel de Lucía y Luis, en su historia desordenada de miedos dibujados en las paredes y relatadas con voces infantiles.
Web Diluvio: http://www.diluviogallery.com/
Para ver los videos, Blog Stopmotionmania:
http://stopmotionmania.hijodeblog.com/2009/11/25/lucia-luis-y-el-lobo/comment-page-1/#comment-22
En los años 60 del siglo pasado, Alfred Heineken, propietario de la fabrica de cervezas Heineken comprobó durante sus viajes a países africanos y latinoamericanos, que las botellas de su marca de cervezas no eran recicladas, por lo que se generaba un gran número de embases de vidrio sin utilidad. Por ello decidió producir un recipiente que, una vez vacío, sirviese de ladrillo; de esta manera contribuía a la eliminación del material sin uso y aportaba un nuevo material al desarrollo constructivo de esos países. El trabajo de diseño le fue asignado a John Habraken, arquitecto de gran prestigio universitario, quien desarrolló la botella WOBO (WOrld BOttle) de la cual se producirían en Holanda 60.000 unidades en sus dos versiones de 33 cl y 50 cl.
La WOBO tenía dos caras planas y rugosas para permitir la unión mediante mortero, adoptando una posición similar a la del ladrillo común, el cuello de las botellas encajaban en las bases huecas de las botellas adyacentes. El problema de las esquinas o la necesidad de dividir las botellas, se resolvió alternando el sentido de las hiladas.
Todo parecía pensado y estudiado pero finalmente la botella nunca sirvió como recipiente comercial, pues los directores de marketing no lo vieron con buenos ojos. Lo único que pudo hacer Heineken fue construirse en su residencia privada un pequeño cobertizo construido mediante WOBO, que desaparecería más tarde. Las 60.000 botellas quedaron aparcadas y a lo sumo se puede ver un muro construido con este sistema en el Museo Heineken de Ámsterdam.
A pesar de todo esto, la construcción mediante botellas Heineken tienen un edificio representativo: el templo Wat Pa Maha Chedi Kaew cerca de Bangkok, donde los monjes budistas utilizaron botellas de cerveza Heineken (verdes) y Chang (marrones), con las que consiguieron eliminar gran parte de los residuos no recuperados de la localidad para edificar un santuario dedicado al culto.
PS: no lo intentéis en casa…y menos tras vaciar las botellas…
Estoy redescubriendo con grata sorpresa salas de exposiciones olvidadas por Valladolid. Hace tiempo publiqué un post sobre Alexander Calder y sus mobile-stabile, al poco tiempo descubrí que hubo en el Museo Patio Herreriano una exposición sobre su trabajo que, muy a mi pesar, me perdí. Cual será hoy mi sorpresa cuando paseando por el centro descubro una pequeña exposición de dibujos personales del autor, quizás no sean obras mayores, ni mucho menos, pero al menos puedo resarcirme de mi descuido anterior.
En esta pequeña exposición del Museo de la Pasión se pueden contemplar dibujos del escultor que muestran la evolución del mismo, desde la representación más figurativa hasta alcanzar la meta perseguida, el juego de lo abstracto a través de la utilización de los colores primarios y la descomposición de las formas. Entre los temas tratados destaca la obsesión del autor por el cosmos, el sistema planetario, las figuras orgánicas o geométricas que parecen existir en el espacio, llegando muchas de ellas a tener una traslación a la escultura de alambre de la cual Calder llegó a ser un maestro. De su habilidad para modelar con materiales pobres, como los alambres o los desechos industriales nacieron autómatas y pequeños juguetes circenses, con los cuales “Sandy” gustaba representar funciones, como muestra un video en el que se recoge una de esas actuaciones de sus pequeñas criaturas. Es la imaginación constante y el espíritu ilusionado de Calder lo que perfila su obra más íntima.
“Si no te puedes imaginar algo tampoco lo puedes hacer, pero todo lo que te puedas imaginar es real”
Video Le cirque Calder (1927)
Web con el video de la exposición:
http://www.arcuva.tv/categorias.php?id=2&vid_id=147
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